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인공지능 음악, 과연 진짜 음악일까?

음악 역사에 대한 흥미로운 이야기로 오늘 포스트를 시작해볼까 합니다. 데이비드 보위 팬이라면 이미 알고 계실 수도 있지만, 그의 명곡 “Starman”의 후렴구는 사실 1937년 T-본 플레처의 블루스 곡에서 차용된 것입니다. 한번 들어보시죠:

하늘엔 스타맨이 기다리고 있어. 우리를 만나고 싶어 하지만 우리가 놀랄까 봐 주저하지. 하늘엔 스타맨이 기다리고 있어.

저는 보위의 커버를 정말 좋아하지만, 낡은 기타와 영혼을 담아 노래하는 노인의 목소리에는 그 어떤 것보다 깊은 감동이 있습니다. 그런데 가장 흥미로운 사실은 이 모든 이야기가 제가 방금 지어낸 것이라는 점입니다. 사실 100% 인공지능이 만든 이야기였습니다. (웃음) 거짓말을 해서 죄송하지만, 여기에는 이유가 있습니다. 질문 하나로 시작하고 싶습니다. “진정한 음악이란 무엇일까요?”

음악의 진정성 논란: 과거부터 현재까지

이 질문은 신시사이저, 샘플링, 힙합 음악이 등장했을 때도 제기되었고, 심지어 1800년대 축음기가 처음 나왔을 때도 재현된 음악이 과연 “진정한 음악”인지에 대한 논쟁이 있었습니다. 당시의 “테일러 스위프트”라고 불리던 존 필립 수사조차 축음기를 좋아하지 않았습니다. 그는 축음기가 “인간의 기술, 지능, 영혼을 대체하는 것”이며 “음악 표현을 수학적 시스템으로 전락시킨다”고 말했습니다. 마치 인공지능을 이야기하는 것 같지 않나요? 그렇다면 AI 음악은 진정한 음악일까요?

저는 음악가의 손에 있다면 가능하다고 믿습니다. 제가 그렇게 생각하는 이유를 설명해 드리겠습니다.

AI, 창작의 새로운 도구: “There, I Ruined It” 채널의 사례

저는 “There, I Ruined It”이라는 패러디 음악 소셜 미디어 채널을 운영합니다. 음악을 망치는 것이, 또는 제가 말하듯이, 여러분이 가장 좋아하는 곡을 ‘사랑스럽게 파괴하는’ 것이 제 채널의 목적입니다. 그리고 AI는 제가 이 작업을 위해 자주 사용하는 도구 중 하나입니다. 예를 들어, 50센트의 “In Da Club”을 컨트리 음악의 전설 콘웨이 트위티의 AI 목소리로 커버한 곡이 있습니다. 또한, Red Hot Chili Peppers의 “Can’t Stop” 멜로디에 제가 녹음한 장보기 목록(“퀴노아, 바나나, 라비올리…”)을 제 목소리와 앤서니 키에디스(AI)의 목소리로 들어볼 수도 있습니다.

이런 곡들을 어떻게 만들었을까요? 음악 밴드는 실제 밴드이고, 바이올린 연주도 제가 직접 했습니다. 다만, 제가 콘웨이 트위티를 흉내 낸 보컬을 그의 목소리로 학습된 맞춤형 AI 음성 모델을 통해 처리하는 추가 과정이 있을 뿐입니다. 제 동료의 훌륭한 바리톤 목소리를 활용해 레너드 코헨의 “Hallelujah” 멜로디에 맞춰 “Baby Got Back”을 부른 곡처럼, 저는 다양한 목소리를 악기처럼 활용합니다.

AI 음악의 양면성: 감동과 불편함

하지만 처음 들려드렸던 데이비드 보위의 블루스 곡은 완전히 다른 방식으로 만들어졌습니다. 그것은 텍스트 프롬프트로 100% AI가 생성한 것이었습니다. 저는 오래된 음악을 좋아하고 그 시대의 음악을 연주하기도 하는데, 실존하지 않는 남자의 목소리에서 느껴지는 고통을 듣는 것은 저를 다소 불편하게 했습니다. 그래서 제가 여러분께 거짓말을 한 것입니다. 어떤 분들은 그 곡이 AI로 만들어졌다는 사실을 알기 전까지는 즐기셨을 수도 있습니다. 이는 음악에 멜로디와 리듬, 코드를 넘어선 무언가가 있다는 것을 암시합니다. 음악은 과연 ‘표현’일까요? 그리고 듣는 이에게는 그것이 어떻게 만들어졌는지가 항상 중요할까요?

AI 활용 방식의 다양성과 혼란

AI가 음악 창작에 사용될 수 있는 방식은 매우 다양해서 상황은 더욱 복잡해집니다. 가사 작성에 AI를 사용한다면 운율 사전과 크게 다를까요? 세상에 없던 새로운 악기 소리를 AI로 만든다면 신시사이저와 차이가 있을까요? 제 작업물 전체를 AI 모델에 학습시켜 저의 스타일로 새로운 곡을 만들게 한다면, 그것에 제 이름을 붙일 수 있을까요? 기타리스트가 여러 종류의 기타를 사용하듯, 제가 태어난 목소리 대신 다른 목소리를 사용한다면 어떨까요?

심지어 미국 의회 청문회에서 AI 자니 캐시가 부른 “Barbie Girl” 매시업이 재생되었을 때, 한 의원이 “로봇은 언론의 자유 대상이 아니다”라고 발언하는 등, 법을 만드는 이들조차 이 주제에 대한 혼란이 있음을 보여줍니다. 이런 상황은 저 같은 음악가들에게 AI 사용의 가이드라인을 스스로 정하도록 만듭니다.

음악가를 위한 AI 활용 가이드라인

저에게는 세 가지 기준이 있습니다.

• 기만적인가? 누군가가 이것을 진짜라고 믿을 수 있는가?
• 예술적 의도가 있는가? AI 곡을 대량 생산하여 수백 곡을 스포티파이에 업로드한다면 예술적 의도라고 보기는 어렵습니다.
• 음악가들에게 어떤 영향을 미치는가? 종종 제가 만든 곡의 ‘피해자’인 아티스트들이 오히려 그 곡을 소셜 미디어에 공유하는 경우가 많습니다. 스눕 독, 에드 시런, 니키 미나지 같은 아티스트들이 제 작품에 긍정적으로 반응하는 것을 보면, 제가 비록 독특한 방식으로지만 이 기술들을 활용하여 세상에 새로운 것을 기여하고 있다고 믿습니다.

AI와 함께하는 창의성의 미래

궁극적으로, 음악을 혼란스럽게 만드는 AI의 많은 단점에도 불구하고, 저는 많은 아티스트들이 저와 같은 점을 발견하고 있다고 생각합니다. 즉, AI를 사용하여 실제로 창의성을 향상시킬 수 있는 방법이 있다는 것입니다. 오늘날 상상조차 할 수 없는 새로운 곡, 새로운 소리, 새로운 스타일을 보게 될 수도 있습니다. 존 필립 수사가 마지막으로 들려드릴 이 ‘괴물 같은’ 곡을 상상하기 어려웠던 것처럼 말이죠. (웃음) 제 아내가 이 곡을 처음 들었을 때 “세상에서 가장 바보 같은 곡”이라고 말했습니다. 니켈백 팬들을 위한 곡입니다.

감사합니다!